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JEAN FOUQUET. Díptico de Melún.


DIPTICO DE MELUN O DIPTICO DE LA VIRGEN CON  NIÑO Y ÁNGELES.
Jean Fouquet
 Cronología: hacia 1450
 Técnica: óleo sobre tabla.
  Estilo:  Gótico internacional.
 Dimensiones de  la tablas:  91 cm x 81 cm, la de la Virgen y 93 x 85 la tabla del donante.
              Las  dos tablas fueron separadas durante la  Revolución francesa   y siguen así.
-        La tabla de la  Virgen se encuentra en el Museo de Bellas artes de Amberes y
-         La  tabla de Etienne Chevalier  permanece en la Gëmaldegalerie de Berlín.
  
                 Fue encargada por uno de los hombres más poderosos en la corte del rey Carlos VII de Francia, Étienne Chevalier, para  la capilla funeraria de Agnes Sorel.

                      Agnes Sorel fue amante del rey Carlos VII   ( con el   que tuvo tres hijos) y también se cree que  de E. Chevalier que  ejerció  de albacea testamentario.  Fue famosa  por ser la mujer más hermosa de Francia.  Murió a los 27 años probablemente envenenada. Su belleza fue motivo de inspiración para numerosos artistas y en este caso Fouquet la elige como modelo para un cuadro religioso pero que tiene también algo de profano.
                      En el panel izquierdo San Esteban que  acoge a Etienne Chevalier parece encaminarle hacia la derecha hacia la Virgen.  
         

II. ANÁLISIS.  
            Las dos tablas son bien diferentes una  idealizada por su conexión con lo celestial  y  otra de un mayor realismopintura nos muestra a una joven de una gran belleza, de cabello claro y           
        

            La Virgen representada en  esta tabla   corresponde a la tipología de origen bizantino     Virgen Galactofrusa ( Virgen de la leche) y es un retrato idealizado de Agnes  Sorel  . . María    sedente  es representada como una joven  de elegantes facciones: con la piel muy blanca , talle muy estrecho y ;  tiene una frente muy amplia  y  una cabeza de forma ovalada  y en la  que  Fouquet dibuja  unas finas cejas que  continúan su dibujo sobre el perfil de la nariz,  por último  la boca roja  aporta una nota de color  que no es suficiente para  hacer desaparecer  su  hieratismo 
               
               Está  coronada con una corona de oro y perlas que  sirve también para sujetar un  fino velo transparente .  Viste  con  un corpiño azul marino y capa de piel de armiño; el corpiño se abre para mostrar un  esférico y modelado pecho . El hecho que lleve el pecho desnudo si no está amamantando al niño  se le  conoce como ostentatio  y estaba relacionado con el papel de la Virgen como nodriza de la humanidad , pero esas formas redondas y corporales  le otorgan un efecto de profano y erótico..


  Sostiene  en su regazo  a un rollizo niño algo desproporcionado y poco realista que es el elemento más gótico de la composición.
,
             La corporeidad terrenal  idealizada de la Virgen  y su color blanco  contrasta con las formas y el colorido irreal de ángeles:  querubines  en  rojo y  serafines  en azul ,  que rodean el trono de María, con sus cuerpos brillantes, volúmenes escultóricos  y su mirada fija y penetrante que  resultan poco humanos.. .  Llevan estos ángeles bolas de cristal con reflejos ,que recuerdan el matrimonio Arnolfini de Van Eyck    y piedras preciosas.
           
           El hieratismo , la falta de comunicación dan a la escena efecto de frialdad. 


        peDesde el punto de visto técnico  esta tabla  es  un  ejemplo del llamado estilo gótico internacional iniciado por los Hermanos Limbourg, en el que se mezcla el preciosismo cromático de la escuela de Siena y el espíritu caballeresco francés. Las señas de identidad del estilo están presentes en esta tabla :

 - la utilización de colores brillantes y llamativos

 -  Ulización de  las forrmas estilizadas y suaves, así como los ritmos ondulantes y retorcidos s

-  y la influencia de la miniatura, que se constata en el detallismo y minuciosidad de las representaciones, y que aquí se percibe en la magnífica corona y el trono de la Virgen, adornado con perlas,gemas y láminas de ónice. 
                 
                  La luz que baña toda la escena es plana y de carácter irreal, lo cual es acorde con  una a representación del mundo sobrenatural.
    


       Esta  tabla  muestra al  comitente , Étienne Chevalier, arrodillado y vestido con un sencillo y elegante manto rojo con una gran forma volumétrica, sobre todo en las amplias mangas. Muestra las manos juntas, con finos dedos, en actitud orante y una expresión recogida y triste . Su piel es clara, aunque la carnación del rostro es algo más oscura que la de las manos. A su izquierda se encuentra de pie el  protector san Esteban. Su mano derecha se posa sobre los hombros de Chevalier , una actitud acogedora y de guía. . Viste una rica casulla de diácono en tono azulado y ribetes en amarillo. En su mano izquierda porta  un libro  sagrado y una piedra puntiaguda símbolo de su martirio por lapidación.   . Destaca poderosamente el colorido vivo de ambas indumentarias y la representación realista de las dos figuras. 
      
Formalmente es diferente a la anterior y denota influencias del pintores  del Quattrocento : 
       
   -  por la claridad narrativa ya que se eliminan elementos superfluos 

      - por el uso de la perspectiva en el espacio arquitectónico en el que sitúa la escena ( observad la pared o las baldosas de mármol ) ;
   
-  situar la escena en un marco en este caso un palacio renacentista italiano. 

         Al mismo tiempo, el evidente realismo de los rostros, en los que se dibujan las arrugas y la sombra de la barba,  la riqueza de las vestiduras muestran la influencia de los primitivos flamencos.
             

 III. Contexto ,  función.
        
    Cuando Fouquet realiza este cuadro  Francia se encuentra en los años finales de la llamada guerra de los Cien años  que se prolongaría hasta 1453  . La guerra tuvo como causa  la lucha  por la sucesión a la corona entre los Valois y los Plantagenet.     Con la expulsión de los ingleses de  Orleans en 1429 , gracias en parte a Juana de Arco, Carlos se corona ese mismo  año  como rey de Francia. 

     EL AUTOR. ( 1420 -1480)    nació en Tours , su primera formación fue en talleres de maestros miniaturistas , recibiendo influencias flamencas y borgoñonas.  .  También se conoce  que siendo ya pintor reconocido realizó un viaje a Italia  entrando en contacto  con los artistas sieneses , romanos y florentinos como Piero della Francesca, Masaccio,  Andrea del Castagno…  aprendiendo la nueva técnica de la perspectiva geométrica  que incorporó a su obra pero con ciertas reservas ya que sobre todo se advierte la influencia de artistas flamencos.  Ya de regreso a Francia fue el pintor oficial de Carlos VII.
                En resumen: . Su obra mantiene la tradición goticista a la vez que incorpora elementos renacentistas con influencias de artistas de pintores del Quattrocento como Piero della Francesca , Andrea del Castagno fruto de sus viajes a Italia o el detallismo de la pintura flamenca.

         Función: Religiosa ya que estaba destinado : para la capilla funeraria de Agnès Sorel en la catedral de Melun.