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LEONARDO DA VINCI. La Virgen de las rocas





























I. CLASIFICACIÓN Y DESCRIPCIÓN
 Autor : Leonardo da Vinci.
 Título: La Virgen de las rocas
Cronología.1483-1486
 Técnica. Originalmente óleo sobre tabla, posteriormente pasada a lienzo.
  Formato. 199 x 122 cm
Localización. Museo del Louvre             
         
Existen dos versiones sobre  este tema  , una   primera , que  se encuentra en el Museo del Louvre y otra posterior entre 1492 y 1508  que se puede ver en la  National Gallery de Londres .
   La  escena la sitúa en  un marco natural pero completamente idealizado  Junto a la arquitectura natural de las  rocas  que simbolizan la firmeza,se percibe una cueva  ,   el curso del río,  detalles de plantas y vegetación que  se vivifican gracias al agua

  El tema  es religioso, pero la fuente son los evangelios apócrifos. Según estos, cuando  Juan quedó huérfano fue a vivir a una cueva estando protegido por un ángel, en  ella  es encontrado por  María y  Jesús  cuando estos huyen hacia Egipto    Es novedoso que ninguno lleve aureola.  

 II.ANÁLISIS  
              
         La composición es un ejemplo de lo que será la composición clasicista del siglo XVI, composición piramidal  que da estabilidad y firmeza al conjunto.  El  vértice superior sería la cabeza de la Virgen ( que se encuentra arrodillada)  que con su mano izquierda  en pronunciado escorzo  parece  proteger a su Hijo. A la  derecha el arcángel Uriel con las alas desplegadas  , mira de manera discreta  hacia afuera .  señala al niño  Juan, al que la Virgen acoge con su otra mano , y que se encuentra  rindiendo  adoración al Mesias que le bendice , su posición y mayor iluminación le destacan
               
                  Es importante la línea que contornea las figuras y los colores La precisión del dibujo  se observa especialmente en  varios tipos de flores y especies vegetales como prueba de sus grandes conocimientos botánicos y de su visión de la naturaleza.

             Tratamiento  de las figuras.    Los personajes están idealizados, como es el caso de la Virgen llena de ternura y elegancia y el propio arcángel .   Juan Bautista y Jesús son representados desnudos como símbolo de pureza .   En cuanto al  volumen   en todas las figuras consigue este efecto de corporeidad  que  logra  mediante  claroscuro  y la gradación de tonos del color  por ejemplo en  los rostros .  
            
           Los colores más utilizados son   el marrón, el negro, el azul  y los colores de las carnaciones.  Se observa   tanto colores fríos (azul, verde, grises, plateados )   que se armonizan con zonas de colores cálidos (naranja, marrones)
                       
   La Virgen viste con colores primarios  un manto  azul , color frío,, símbolo de la pureza , que cubre un vestido de color cálido : el  amarillo , símbolo de la divinidad.
                      El arcángel Uriel   se cubre con un intenso color  cálido y primario rojo , símbolo de la pasión , y su complementario verde.
                        El recurso del color es usado también para conseguir el efecto profundidad  utilizando tonalidades azuladas, plateadas cada vez menos detalladas a medida que se alejan del primer plano.
Toda la escena está llena de misterio  logrado por la técnica del sfumato.  Consiste en interponer entre el que mira  y las formas,  ese especie de velo casi imperceptible que es la atmósfera.    Con ello  los perfiles se desdibujan, se funden las figuras con el paisajes y los rostros parecen  llenos de misterio como en Uriel..Leonardo  crea el sentido del espacio y profundidad mediante dos focos lumínicos   : un foco de luz parece proceder de fuera, de nuestra izquierda   ilumina a las figuras sagradas  del primer plano, creando luces y sombras , modelando los personajes y los detalles de las plantas y otro foco de luz natural  entra en el interior ilumina las formas que se adivinan a través de la rocas . Entre un foco y otro la luz se va degradando  dejando en penumbra la cueva y crando sensación de espacio. 
    




          

 El ritmo se establece mediante el juego de miradas y manos, estas relaciones dan sensación de serenidad  y misterio  a  lo que contribuye toda la composición.  María mira a Juan y este a Jesús . Una mano de María protege a Juán y la otra a Jesús y tanto Uriel como el Mesias señalan al niño Juan.
     
            El conjunto despierta sensibilidad por la dulzura de María y la inocencia y desnudez de los niños, misterio por la uníón de lo divino con la naturaleza, por el detallismo en plantas y vestiduras elegantes y nobles tanto en María como en el ángel. 
      
      III.  CONTEXTO  Y AUTOR       
         El  contexto histórico del siglo XVI cambia y por tanto también los aspectos culturales.. El sistema de ciudades estado de Italia se ve perturbado por la intervención de Francia y España y la tendencia a regímenes autoritarios       Los primeros años del siglo XVI están presididos por el mecenazgo de los Papa( JULIO II, León X), que desean  recuperar el prestigio de Roma , al igual que en la Antigüedad . Allí  llegan Bramante, Miguel Ángel , Rafael. Es  la etapa del pleno clasicismo  , aun de optimismo, de fe en el hombre y la libertad.
    Pero al final de la década de los 20, comienza la crisis espiritual , relacionada con la reforma  protestante   y con ella poco después la Contrarreforma  que intenta imponer sus normas limitando la libertad del artista.
       Así mismo en este siglo  surgen nuevos centros artísticos  como Venecia  (  Tiziano, Palladio)   y en  el resto de Europa : escuela francesa, germánica , española. 
          Dentro del Cinquecento  los primeros años están presididos por las tres grandes figuras :Leonardo , Rafael y Miguel Ángel, a partir de la crisis espiritual de primer tercio del siglo XVI  surge el Manierismo  y al final de siglo se impone ya la Contrarreforma 

        Significados. La obra está llena de simbolismo:
        -     El paisaje es espiritual , la roca simboliza  la firmeza de Dios " El señor es mi roca" ; en las rocas en la parte izquierda   pinta una  cueva que representa el vientre de la madre y el paso a la otra vida, también simboliza el origen de la vida y de la resurrección ya que Cristo nació en una cueva y fue enterrado en una cueva.
.El río y el agua simbolizan la pureza y también el bautismo y el agua de la palabra de Dios " todo el que beba de este agua no volverá a tener sed".
        -  La anémona a la izquierda simboliza la muerte, se la asocia a ella porque en algunas iconografías sobre la crucifixión aparece debajo.
- Los pétalos rojos simbolizan la sangre.
 - También aparecen palmeras. La palmera se asocia con el martirio y la santidad         
    Un cuadro complejo en cuanto a simbolismos.

EL AUTOR           
       Leonardo es el artista que mejor representa lo que fue el  humanista   A  lo largo de su vida, Leonardo se dedicó a la constante exploración :  diseñador de aparatos de ingeniería, investigador del cuerpo humano, la óptica  e incluso la gastronomía.  De entre todas estas ocupaciones, probablemente fuera la pintura la que más le permitió expresarse, , 
          Leonardo experimentó con múltiples aspectos de la pintura, desde los dibujos hasta las propias técnicas  

     1  Concede una gran importancia al   EFECTO DE LA LUZ QUE CONDUCE a utilizar el SFUMATO método que difumina los contornos como si estuvieran rodeados de una neblina  y a iniciar la perspectiva aérea  las imágnes pierden  nitidez con la lejanía, para ello utiliza gamas frías

   2  Así mismo sus cuadros muestran un gran interés por reflejar estados anímicos y expresivos de los personajes que dotan a sus cuadros de vida y ritmo ,  ejemplo:  LA ÚLTIMA CENA..  
       
     Muere en Francia en la Corte de Francisco I  

   En este retrato de Ginevra Benci de 1476 muestra su maestría ya  en el sfumatto y la creación de espacio.

                              
DETALLE DE LA PERSPECTIVA