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LEONARDO. Santa Ana, La Virgen y El Niño


 
I. CLASIFICACIÓN.
 SANTA  ANA , LA VIRGEN Y EL NIÑO
   LEONARDO DA VINCI
  Fecha. Hacia 1510-1513
  Estilo : Renacimiento , Cinquecento
 Dimensiones:   168 x 130 cm
 Técnica: óleo sobre tabla
Localización actual: Museo del Louvre



   La obra está inacabada consecuencia del afán de perfección  de Leonardo circunstancia que le llevaron a realizar varias versiones y bocetos en unos de estos aparece también Juan el Bautista como en el cartón de Burlington House ( imagen de la derecha). 
     
  ANÁLISIS.  

ICONOGRAFÍA 
   

El tema procede de los Evangelios apócrifos  y de la Leyenda Dorada  de Salvador de la Vorágine y representa a tres generaciones. Santa Ana, su hija María y su nieto Jesús.
       Santa Ana , que aparenta casi la misma edad y parecido físico que su hija , tiene sentada sobre sus rodillas  a María que mira con ternura y melancolía  y  se inclina para apartar  a su hijo del cordero , símbolo del sacrificio,con el que está jugando.   
             Esta escena  tiene  como marco en un paisaje idílico  con fondo montañoso y rocoso probablemente inspirados en las montañas alpinas y están sentados al borde de un precipicio.

     II. ANÁLISIS FORMAL

La composición como corresponde a la etapa clásica del renacimiento  es  de tipo piramidal o triangular  y  contribuye al equilibrio 
      Leonardo  concede mucha  importancia a Santa Ana que constituye el eje o centro  . Lleva un velo atributo de la época de las personas mayores. 
     
    Pero  la obra presenta una unidad  ya que   todos los personajes presentan como un movimiento entrelazado tanto en posturas como en gestos, así el brazo derecho de la la Virgen podría ser válido para  Santa Ana , el brazo izquierdo de  María  se prolonga o entrelaza con el brazo de Jesús que echa su pierna sobre el cordero 
      El mismo encadenamiento existe en los gestos Santa Ana  y María miran hacia abajo donde encuentran la mirada de Jesús   Aunque la expresión algo sonriente de Ana por la familia contrasta  con la de María entre sonriente y llena de melancolía  presintiendo el sacrificio de su hijo  del que es símbolo el cordero.    
        Tratamiento de las figuras  Las formas y volúmenes muestran un sentido de corporeidad herencia de los logros de Masaccio.  Estas formas están perfiladas con el dibujo y mediante luz y sombra con las que crea el modelado..
 
          Especialmente rotundo parece el cuerpo de Santa Ana, mientras que el  cuerpo de María es el más movido con dos diagonales  marcadas por el color rojo y azul.

     Leonardo rodea o envuelve a sus figuras utilizando el sfumatto a modo de velo vaporoso o neblina como si la atmósfera se interpusiera. Esto cambia sutilmente los contornos ,los tonos de luz  o  el color. . Este sfumatto es especialmente visible en el rostro de Santa Ana.

    Colores   Entre los colores empleados aparecen tonos suaves  como la gama de  marrones y de color carne, rojo,  y los colores fríos azul, grises en el fondo. Algunos están  inacabados o bien  los pigmentos se han estropeado como ocurre con el azul que lleva María o el marrón de la falda de Santa Ana. Así mismo son destacables las veladuras en el hombro de la Virgen (  de color rojo) y en el brazo ( veladuras de tono marrón)  

 





  
     


 
            
      






El efecto de espacio o profundidad :
 -  por una parte se percibe la perspectiva lineal  por la que los objetos se van empequeñeciendo a medida que se alejan del  primer plano,
 -  pero también aparece la perspectiva aérea, que él desarrolló.  Así en primer plano la Virgen, Santa Ana, el niño aparecen con más nitidez y con colores más intensos o saturados mientras  que a medida que nos alejamos con la distancia los contornos y las cosas pierden nitidez y los colores  pierden intensidad utilizando gamas de grises, azules y plateados  en ese paisaje que parece solamente abocetado
  La luz  es suave  parece proceder de nuestra derecha por las sombras en la cara de Santa Ana y la Virgen.
      El   ritmo se establece como se ha expuesto  con  el juego  y a la vez equilibrio  de miradas de arriba – abajo Santa Ana y su hija María   y de abajo-arriba desde el niño e incluso el cordero hacia Santa Ana.
    Expresión . En este cuadro existe un encadenamiento de expresiones Santa Ana parece estar orgullosa de su descendencia, María mira con cariño pero también con tristeza a su hijo   que está jugando y abrazando al cordero como aceptando su pasión y muerte. La madre intenta con sus manos querer   apartarle del cordero, símbolo  de tal cruel destino.  
  Leonardo refleja de esta forma los  diferentes estados anímicos 
     
III.  CONTEXTO, AUTOR
    El  contexto histórico del siglo XVI cambia y por tanto también los aspectos culturales.. El sistema de ciudades estado de Italia se ve perturbado por la intervención de Francia y España y la tendencia a regímenes autoritarios       Los primeros años del siglo XVI están presididos por el mecenazgo de los Papa( JULIO II, León X), que desean  recuperar el prestigio de Roma , al igual que en la Antigüedad . Allí  llegan Bramante, Miguel Ángel , Rafael. Es  la etapa del pleno clasicismo  , aun de optimismo, de fe en el hombre y la libertad.
    Pero al final de la década de los 20, comienza la crisis espiritual , relacionada con la reforma  protestante   y con ella poco después la Contrarreforma  que intenta imponer sus normas limitando la libertad del artista.
       Así mismo en este siglo  surgen nuevos centros artísticos  como Venecia  (  Tiziano, Palladio)   y en  el resto de Europa : escuela francesa, germánica , española. 
           Dentro del Cinquecento  los primeros años están presididos por las tres grandes figuras :Leonardo , Rafael y Miguel Ángel, a partir de la crisis espiritual de primer tercio del siglo XVI  surge el Manierismo  y al final de siglo se impone ya la Contrarreforma 
   
      SIGNIFICADO    Existe una  relación del niño y el cordero con el sacrificio de Cristo que redime a los hombres.  
  Por otra parte en el primer plano el precipicio  viene a ser la frontera que separa lo divino de lo humano  y contrasta su color marrón con las montañas azuladas y plateadas del fondo
      
EL AUTOR     
       Leonardo es
el artista que mejor representa lo que fue el  humanista   A  lo largo de su vida, Leonardo se dedicó a la constante exploración :  diseñador de aparatos de ingeniería, investigador del cuerpo humano, la óptica  e incluso la gastronomía.  De entre todas estas ocupaciones, probablemente fuera la pintura la que más le permitió expresarse, , 
          Leonardo experimentó con múltiples aspectos de la pintura, desde los dibujos hasta las propias técnicas
   
  Concede una gran importancia al   EFECTO DE LA LUZ QUE CONDUCE a utilizar el SFUMATO método que difumina los contornos como si estuvieran rodeados de una neblina  y a iniciar la perspectiva aérea  las imágnes pierden  nitidez con la lejanía, para ello utiliza gamas frías, ejemplo  Santa Ana , la Virgen y el Niño

2  Así mismo sus cuadros muestran un gran interés por reflejar estados anímicos y expresivos de los personajes que dotan a sus cuadros de vida y ritmo ,  ejemplo:  LA ÚLTIMA CENA..
            Muere en Francia en la Corte de Francisco I   



          

    


              Dama del armiño hacia 1486 
                   Czartoryski Collection, Cracovia
La representa con el rostro girado sobre el hombro izquierdo, con un armiño blanco (símbolo de la pureza) pero también altivez.
    . Los colores resaltan sobre el fondo oscuro con juego de luces y sombras  en el rostro. 
        Los dedos ahuesados de la mujer,  se repetirán  en la Gioconda
    Se puede observar la preocupación por el estudio psicológico existiendo una similitud entre entre  la expresión de la dama y la del armiño