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GOYA. El quitasol


         
I. CLASIFICACIÓN  Y DESCRIPCIÓN
              
  EL QUITASOL
                GOYA.
   Cronología:   HACIA 1778
   Estilo  : NEOCLÁSICO con influencias del  Rococó
   Soporte o técnica : Primero  cartón y luego  
                                                 óleo  sobre  lienzo
   Localización : Museo del Prado.

             El quitasol formaba parte de una serie de cartones  para Tapices que decorarían el comedor del infante don Carlos , futuro Carlos IV.  Posteriormente fue trasladado al óleo y termina en los fondos del Museo del Prado.
  
       Iconografía 
                   Presenta Goya una escena costumbrista  muy habituales en la época y de influencia de la moda galante francesa, aunque la originalidad hay que buscarla en la espontaneidad y alegría
     Aparece una joven probablemente aristócrática que viste a la moda francesa  y que mira seductoramente  al espectador acompañada de un posible criado que viste como  "majo"  que le quita el sol con una sombrilla de color verde . En el regazo  de la joven un pequeño perrito negro   con lazo rojo parece adormecido. . En el fondo un paisaje algo vaporoso en sus colores y una pared lateral 
     No se deduce si el  joven  solo la acompaña o existe cierto flirteo entre los dos 
   
II.   ANÁLISIS FORMAL.

     La composición es cerrad, se encuentra entre la pared y el árbol del parque o paisajes y algo simétrica con la pareja en el centro , especialmente el  joven  
         El punto de tensiódel cuadro es el rostro  de  la  joven en la que se centra nuestra  mirada, este rostro se matiza con tonos verdes reflejo del color de la sombrilla.
               
En la composición     se observa un triángulo que  que enmarca a la  joven , esta figura geométrica  induce a estabilidad y serenidad 
    Se  aprecian  así mismo  estructuras diagonales como la mano con el abanico , la línea de la pared que parece prolongarse en el mango de la sombrilla( paralelo a la mano) , estas diagonales se contrarrestan con la diagonal del árbol como formando una V que enmarca  las nubes.
    También  se  distingue compositivamente  una forma oval   en el rostro de la mujer que es donde se cruzan dos diagonales determinadas por la dirección de la mirada del majo y la línea del muro prolongado en el mango de la sombrilla.
                  Tiene  importancia el dibujo como en la sombrilla , el escote 



En el cuadro tiene una gran relevancia  la luz y sus efectos jugando un gran papel la sombrilla que sirve para  matizar y sombrear diferentes zonas mientras que en otras la fuerte incidencia del sol hace que destaquen los tonos amarillos que dotan a la escena de gran alegría.  
     
    Los colores son luminosos   con predominio de los tonos pastel de influencia rococó. Entre otros  el amarillo y azul de la joven y el secundario verde de la  sombrilla  o más apagados como  en la zona  matizada por la sombrilla ,  los ocres del majo  o los    contrastes de tonos como los que se observan en el hombro del majo  o los tonos verdosos del cuello de la joven.
     
La pincelada empieza a ser suelta como se  percibe  en el perrillo.
   
    No existe mucha profundidad se insinúa algo con el paisaje vaporoso  con sfumato  y con la dirección del mango de la sombrilla.
      
  El ritmo aunque algo estático viene marcada por el juego de miradas del majo a la joven y de esta a los espectadores.
   
  La expresión   es alegre tanto por las  actitudes  de la pareja como por los tonos cálidos.

   III. CONTEXTO, AUTOR.
                              Pertenece esta obra a la primera etapa del pintor en la que aún  tenía el optimismo por la posibilidad de los cambios  unidos a la ilustración.   Sin embargo el miedo a los sucesos revolucionarios en Francia van a traer una involución  con lo que  aparece ya cierto pesimismo que aumenta con el agravamiento de su sordera
  La   Primera etapa que se prolonga hasta 1792, cuando le sobreviene la enfermedad que le lleva a la sordera, es  la etapa de los cartones  para la Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara, de temas populares, festivos, alegres (La vendimia, El quitasol,  la pradera de San Isidro...). Tienen influencia rococó y  neoclásica : importancia del dibujo, ordenación geométrica,  y color de tonos suaves , cálidos y luminosos. 
                      Sin embargo su primeros síntomas de su sordera en 1777-1789  le hace evolucionar  de la alegría a cierto sarcasmo  ( El cacharrero, El pelele, El albañil herido, La boda, ) en los que denota ya cierto crítica social mediante aspectos más expresivos.
                     Realiza sus primeros retratos como el de Carlos III de caza, Floridablanca.  Duques de Osuna, tratando de abrirse camino en la sociedad; Este creciente prestigio le permite ser  pintor de la corte.
 Características finales de esta etapa:
Pincelada cada vez más suelta.
Preocupación por la luz (influencia velazqueña).

Caracterización psicológica de los personajes

             

    El cacharrero  1778-1779
En el primer plano se observa a un valenciano, según Goya, vendiendo vajilla, mientras dos jóvenes   y una anciana ( tal vez referencia a la Celestina) observan la mercancía., En el coche de caballos  en su interior y a contraluz una dama mira  a dos jóvenes  . La calidad matérica de los cacharros  contrasta con la pincelada suelta. Se puede apreciar el arrempetimiento en una de  las ruedas del coche de caballo.
       La  escena puede significar cierta crítica  : la nobleza pasa de largo frente a vendedores, el pueblo    También puede significar   picardía y galanteo por las miradas entre jóvenes del pueblo , y mirada de la dama  a los hombres elegantemente vestidos que aparecen de espalda

            LOS DUQUES DE OSUNA 1788
              Retrato que muestra la cercanía y amistad del pintor con la familia.  Lo más destacable  es  la manera de retratar a los pequeños, concretamente sus miradas  y actitudes en las que se aprecia la dulzura e inocencia de los niños. Y, sobre todo, el cariño que Goya les tenía 
         El espacio  tiene fondo neutro  sobre el que se recortan las figuras, obteniendo diferentes tonalidades gracias a la luz. Todos los personajes se enmarcan en una diagonal de sombra a excepción del Duque que se encuentra en una zona más iluminada. 
        Los colores empleados son muy uniformes: grises, verdes y rosa, plateados  de nuevo a excepción de Don Pedro, que lleva casaca oscura con tonos rojos. 
        La pincelada que utiliza el artista es cada vez más suelta, como se aprecia en las borlas del cojín. 
           Las transparencias de los encajes en cuellos y puños y el perrito que se esconde entre el Duque y los dos niños son detalles que  muestran la evolución del pintor