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VELÁZQUEZ. La fragua de Vulcano.


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      I. CLASIFICACIÓN Y DESCRIPCIÓN ICONOGRÁFICA.

     Título: La Fragua de Vulcano
 AutorVelázquez
  Cronología. :  1630 ,durante su primer viaje a Italia
 Técnica: Óleo sobre lienzo
   Formato: 223 x 290cm
    Género : Mitológico pero ejecutado como una pintura de género.
Localización actual : Museo del Prado, Madrid

         El tema , procedente de las Metamorfosis de Ovidio, describe el INSTANTE en el que Apolo, rodeado de una aureola y con corona de laurel,   entra en la fragua y comunica a Vulcano que su esposa , la bella Afrodita, está cometiendo adulterio  con el dios Marte, el dios de la guerra,  despertando las reacciones de todos. Para mayor escarnio las armas que están trabajando   están destinadas a Marte.  
       Vulcano , ante la noticia , se encoleriza , los cíclopes ( a los que representa con dos ojos )muestran sorpresa , estupor abriendo alguno de ellos  la boca. 
       Es un ejemplo de barroquismo y  de la genialidad del pintor. 
          - La escena entre dioses no transcurre en un espacio idílico sino realista una fragua, por tanto une géneros distintos: la mitología ( los dioses) , la escena de género ( los trabajadores de la fragua) y  la representación naturalista y detallada de objetos 


 -  es un ejemplo de teatralidad barroca por las expresiones , y también de naturalismo en el tratamiento anatómico.

II. ANÁLISIS FORMAL        
        La composición es compleja.
          Casi todos personajes    se inscriben en una elipse que queda cerrada por el cíclope de la espalda curvada y cuyo escorzo sirve para dar   profundidad .  A la izquierda la figura de Apolo se recorta sobre un vano que de esta forma extiende la profundidad más allá de este espacio interior,
                    
  Pero el núcleo central de la escena es  un círculo formado por los cuatro personajes que tiene como centro el hierro incandescente y el yunque.                                                                    



        Las formas son realistas .     Probablemente influenciado por el estudio de la estatuaria clásica y  de la obra de Miguel Ángel . El tema le da pie para introducir un desnudo que hace que resalten las anatomías de los trabajadores y los defectos físicos de Vulcano. 
        No obstante existe como en el mundo barroco contraste entre la idealización del cuerpo de Apolo , cuerpo de adolescente y su piel blanca , y el naturalismo de los  artesanos representados como gente del pueblo. 
              El tratamiento de los defectos de Vulcano es realizada  de tal forma que no quita dignidad al representado. 

EL HIERRO INCANDESCENTE ROJO Y ANARANJADO , INSTRUMENTOS, EL DEFECTO EN LA CADERA DE VULCANO, SANDALIAS DE APOLO

   
       Gran detallismo y calidad en el tratamiento  de los objetos : herramientas, el hierro incandescente, el yunque, armadura con su brillos y texturas , la jarrita de cerámica blanca sobre la repisa  y  el resplandor ígneo del fogón.
      La luz.   Velázquez abandona el tenebrismo , ese fuerte contraste entre luces y sombras.  
             La luz que parece frontal sirve para modelar los cuerpos con los matices de luces y sombras ( ver cuerpo del trabajador que se encuentra en escorzo) . 
            Al foco central que incide especialmente sobre Apolo y el artesano de espalda , se suman focos secundarios : el hierro incandescente, el fuego de la fragua
           Es una luz que  se va graduando  y disminuyendo hacia el fondo dejando los contornos del artesano que se encuentra al final del taller difusos,. .  Esa graduación  es creadora de profundidad y es un precedente de la perspectiva aérea.

   Colores.   Sigue predominando la gama de colores terrosos con predominio de los tonos ocres característicos del naturalismo  . Junto a estos  la gama de azules en la ventana, en las sandalias de Apolo, el verde las hojas de laurel ; el blanco azulado de la jarrita de la repisa; el color gris plateado de la armadura. 
           .Pero la influencia veneciana, ( consecuencia  de este viaje a Italia, se observa los tonos anaranjados  de la  túnica  de Apolo que además vuela de manera efectista , los rojos-anaranjados  de la fragua y del hierro incandescente.  La pincelada es menos pastosa y más fluida, aunque aún tendrá que evolucionar a esa pintura alla prima.
           
      La  profundidad.    Esta es una de las grandes preocupaciones del pintor , conseguir el efecto profundidad.  .La transición de la luz creadora de profundidad en general es muy suave  , y el intervalo entre las figuras responde a lo que se llama  " emparedados de espacio" ,  enfrentando a unas figuras con otras para crear  esa efecto espacial.    
    .        Contribuyen también a la profundidad   el esbozado paisaje a la izquierda con esos colores fríos de azul cielo
 
Gran importancia de las expresiones, del análisis psicológico. Así de la ira de Vulcano , mostrada en su mirada, pasamos a la sorpresa de los trabajadores, como el que con la boca abierta asiste sorprendido al  "chivatazo " 

Es un cuadro cuyo ritmo viene marcado por las diferentes actitudes de los personajes.
                                                          
III.  CONTEXTO,FUNCIÓN, SIGNIFICADO.
         
       Cuando realiza este cuadro, hacia 1630, el reino  de España se encuentra sumido en una profunda crisis consecuencia de la guerra de los Treinta Años que no concluye hasta 1648.  Al agotamiento en  personas , se suman las malas cosechas, la peste para hacer de este siglo XVII un siglo nefasto para la población y  para el país que perderá su hegemonía en Europa. Sin embargo y  por contraste  desde el punto de vista cultural es el Siglo de Oro en el que brilla la literatura: Lope, Calderón, Quevedo ; y el arte : sobre todo la pintura: Ribera, Zurbarán , Velázquez , Murillo. 
  El hecho de ser el pintor de la  Corte le va a permitir una vida holgada  y la oportunidad de conocer los cuadro de la Corte y realizar dos viajes a Italia  el primero en 1629 y el segundo en 1648.  
      De su viaje a Italia  influirá en su  mayor interés por el desnudo y el interés por la anatomía de influencia de Miguel Ängel,  un interés por la situación de las figuras en un espacio  baja la influencia de la luz .  También influye la  pintura veneciana que se aprecia en la túnica naranja de Apolo  
                  Por otra parte abandona el tenebrismo sustituida por la transición más suave de la luz  y su pincelada empieza a ser más suelta.
            Esta     obra la realizó en Roma , a instancias de Pedro Pablo Rubens . Sus dos grandes obras romanas son esta y la Túnica de José , .                                                                             
           
    La función : En primer lugar a través del tema mitológico , mostrar el desnudo ,  que ha sido sacado de su contexto idealizado para enmascararlo en una pintura y ambiente de género. Podría tal vez  querer elevar la pintura a la altura de las bellas artes. Apolo es el dios de la belleza.

              Signficados . Hay que buscarlos dentro del barroquismo.
               - Expresar el mundo como instante, como momento para captar las diferentes expresiones  y reacciones humanas.
              -   Enmascarar la mitología dentro de una escena de género.
              -    Contrastar la belleza idealizada con el naturalismo de los artesanos.

   El autor. Diego Velázquez nació en Sevilla el 6 de junio de 1599,  Pasó sus primeros años en Sevilla donde desarrolló un estilo naturalista influenciado por Caravaggio con obras como Vieja Friendo Huevos o el Aguador de Sevilla. Se mudó a Madrid llamado por la Corte y a los 24 años fue nombrado pintor del rey, 4 años más tarde ascendió a pintor de cámara de Felipe IV, el cargo más importante en los pintores del rey. A esto se dedico el resto de su vida, hacía retratos, tanto de la familia real (las Meninas) como de los personajes de la corte y cuadros para adornar la casa real, pinturas de historia (las Lanzas).
Su estilo evolucionó hacia una pintura de gran luminosidad con pinceladas rápidas y sueltas. Este estilo se desarrollo gracias al estudio de los pintores reales y su viaje a Italia donde estuvo estudiando la pintura antigua y la contemporánea. En su última década, donde encontramos algunas de sus grandes obras como Las Hilanderas o Las Meninas, tenía un dominio perfecto de la luz. Murió el 6 de agosto de 1660 en Madrid.

                  En esta obra " La túnica de José " se observa muy claramente como Velázquez ha abandonado el tenebrismo y la ifluencia del colorido de la escuela veneciana y de los estudios anatómicos y del desnudo de la estatuaria clásica.
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